映画 『ボーイズ・オン・ザ・ラン』
走れ！！
僕らのイケニエとして
僕らのイケニエとして
現在公開中の映画『ボーイズ・オン・ザ・ラン』を観に行った。同名コミックの映画化作品で、2006年に岸田國士戯曲賞を受賞したポツドールの三浦大輔が脚本・監督を手がけている。主演は銀杏BOYZの峯田和伸。僕は、この峯田が演じる主人公、田西（たにし）を見ていて、切なくて仕方なかった。
あらすじは――不器用で口下手で、何かと空回りの多い29歳の営業マン田西は、同僚のちはる（黒川芽以）に思いを寄せている。ライバル会社の青山（松田龍平）の手を借りて、なんとかちはると親密になれた田西だったが、ある事件をきっかけにちはるに軽蔑されてしまうことに。その後、ちはるは青山と付き合い始めるが、妊娠させられた挙句捨てられてしまう。それを知った田西は、青山に決闘を申し込む。
冴えない男が恋をきっかけに成長していく、というのは物語の定石の一つだが、この『ボーイズ・オン・ザ・ラン』は、そういった一般的なビルドアップ・ロマンスとは異なっている。なぜなら、最後まで田西には救いというものが訪れないからだ。救いとは「この主人公は、明日からきっと（ほんの少しだとしても）幸せな人生を送るだろう」という予感のことである。それがこの映画にはない。田西はタイトルの表すとおり、ひたすらガムシャラに走りまくって、その過程でボロボロに傷つきまくるだけなのである。切ないのだ。
田西というキャラクターには吸引力がある。だがそれは、彼の不器用さやかっこ悪さがいじらしいからではない。彼のちはるを思う気持ちに魅かれるのだ。劇中、田西は言う。「おれ、本気になれるの、ちはるさんのことだけだった」と。この台詞がえらく心に沁みる。
本気になれるということは、エネルギーを注ぎ込める何かを持っているということだ。だが、その何かを見つけるのは、実際にはひどく難しい。いかに多くの人が本気になれる何かを見つけられず、エネルギーを持て余しているのかは、趣味的な資格試験の受験者の増加や、満員続出のカルチャー・スクールの習い事教室を見れば明らかだ。
エネルギーのハケ口としてもっとも手っ取り早いのは恋愛だ。しかし、本気で人を好きになるのは、それはそれで難しい。大人になればなるほど、気持ちは自然とコントロールできてしまうし、傷つかないように演技をすることも上手くなる。田西ほど女性に対しておっかなびっくりな人間は現実には稀だが、それはこのキャラクターがリアルでないということではなく、単に現実の僕らが処世術に長けているからにすぎない。だからこそ「本気」という言葉を口にできる田西に魅かれてしまうのだ。
しかし、田西は結局は報われない。たとえ本気になっても、良い結果が訪れるとは限らないとこの映画はいうのである。「ちょっとくらい田西に良い目を見させてやれよ」と思う。だがその一方で、もしこれが明快なハッピーエンドであったなら、果たして僕はこの映画に魅かれただろうか、とも思う。ちはると結ばれたり、青山をボコボコにしてやっつけるようなラストであれば、スカッとはするだろうが、リアルは感じない。そう簡単に報われたら、こちらとしてはたまったもんじゃない。簡単に報われないからこそ、大人は本気になりたくてもなれないのだ。
田西は観客のリアルを一身に背負い、ある意味観客の人身御供として、本気で人を好きになり、本気で傷だらけになる。そして、何もかもが無惨な結果に終わりボロボロになった田西は、街の中を全力疾走する。涙を拭い払うためなのか単なるヤケクソなのか、田西が走りながら何を考えているのかはわからない。ただ、そんなボロボロになっても人は全力で走れるんだという、奇妙な感動がある。その田西の走る姿を映して、映画は終わる。
田西を演じる峯田和伸の存在感は圧倒的。名演を通り越して“絶演”とも言うべき壮絶な芝居を見せており、彼を観るためだけでも映画館に行く価値があると思う。早くも今年の最高傑作の1つに出会ってしまった。
『ボーイズ・オン・ザ・ラン』予告編
2010年大河ドラマ 『龍馬伝』
完璧すぎるこの男
内心ムカついたこと、ありませんか？
内心ムカついたこと、ありませんか？
年末の『坂の上の雲』が大々的なイベントだったせいで、こちらは少々日陰に追いやられた感があるが、何はともあれ今年の大河ドラマ『龍馬伝』がスタートした。「龍馬が福山雅治ってどうなの？」と不審の声はあちこちで聞こえるが、何はともあれ僕は1年間見守ろうと思う。なにせ龍馬なのだから。
坂本龍馬を嫌いな人っているんだろうか、と思う。そりゃ中にはいるんだろうけど、間違いなく圧倒的少数派だ。だってかっこいいもの。強くて、ユーモアがあって、自由闊達で、歴史の表舞台に風のように舞い降りたかと思ったら、去り際も鮮やか。おまけに名前まで洒落ている。そしてその「龍馬」という名を口にするだけで（あるいは文字に書いてみるだけで）、なんだか胸に青空が抜けるような、清々しい気分になる。
そんな日本史上最大のスター坂本龍馬に欠点を挙げるならただ一つ。あまりに完璧すぎることだ。そう、みんな実は内心龍馬に嫉妬したことが一度くらいはあるんじゃないか。僕は『竜馬がゆく』を初めて読んだとき、正直ちょっとムカついた。ああいう見事な快男子には、憧れ以上に敗北感を抱くことになり、切ない。
実は今回の『龍馬伝』、そういう嫉妬が最初の切り口になっている。そのネガティブな感情の主は岩崎弥太郎（香川照之）。ドラマ冒頭はいきなり、弥太郎の痛烈な龍馬評、「あんな腹の立つ男はいない！」という言葉で始まるのである。龍馬と弥太郎は同じ土佐に生まれ育ったいわば幼なじみ。だが弥太郎は、剣の腕が立つのに温和な平和主義で、おまけに女の子からもモテる龍馬にいつも嫉妬していた。今回のドラマは基本的にこの岩崎弥太郎の視点で進むことになる。
これはとても興味深いアプローチの仕方で、つまり僕ら視聴者は、龍馬べったりではなく、距離をおいて客観的、批評的立場から坂本龍馬を眺めていくことになるのである。生まれながらにしてヒーローだったわけではなく、悩み傷つきながら一歩一歩僕らの知る「坂本龍馬」になっていくという、極めて“生身”な龍馬が描かれることになるだろう。それは、「自由で豪快で海を眺めて夢を語る」みたいな、現在流通しているステレオタイプの龍馬とはまったく異なる人物像になるはずだ。
第1回を見た限りでは、“福山龍馬”は気の優しい文系青年、みたいな感じでかなり意外。だが、「まさかの福山雅治」というそもそものキャスティング含め、意外性が今回のドラマの重要な切り口となりそうなので、観るこちらとしても、まっさらな気持ちでいた方が楽しめそうだ。
脚本は『HERO』や『容疑者Xの献身』の福田靖が、演出チーフは『ハゲタカ』の大友啓史が担当（音楽の佐藤直紀も『ハゲタカ』チーム）。ドリームチームのようなスタッフ布陣にも期待大。
第1回再放送は土曜の13:05からです。
『龍馬伝』公式HP
スペシャルドラマ 『坂の上の雲』
ついに始まった大作ドラマ
“青春”日本の姿に涙する
“青春”日本の姿に涙する
最初の制作発表から実に6年。待ちに待ったドラマ『坂の上の雲』の放映がついに始まった。
「待った甲斐があった」とはまさにこのこと。僕はもうテレビの前でずっと泣きっぱなしです。素晴らしい。まだたった2回しか放送されていないが、断言してしまおう。これは本当に素晴らしいドラマである。
何がそれほど素晴らしいのか。脚本も俳優の演技も非の打ちどころがないし、渡辺謙のナレーションも味がある。美術の凝り具合などは、はっきり言って大河ドラマよりも数段上である。細かく挙げよと言われればキリがない。だが、そのような細部の一つひとつが個別に優れているというよりも、全てが組み合わさりトータルとして、ボリュームもスケールも桁外れなあの原作の映像化を成し遂げた、この一点に尽きる。
「司馬作品の映像化など過去にいくらでも例があるじゃないか」と言われそうだが、このドラマは過去の映像化作品とは根本的に違う。ディティールをとことん突き詰めるだけでは、はたまたストーリーを丹念に追うだけでは、司馬作品は「司馬作品」にはならない。なぜなら、そこに司馬遼太郎の息遣いというものがないからだ。彼の持つ独特のユーモアや、決して主人公に感情移入しすぎないクールなタッチ、それでいて深く漂う人間（日本人）への愛情。司馬作品を「司馬作品」たらしめているのは、ストーリーやテーマといった作品の外郭以外の部分にこそある。その司馬の体温のようなものを映像に封じ込めなければ、“司馬作品を映像化した”とは言い難い。そして、そのような成功例は決して多くはないのである。
もちろん、「原作と映像は別物」という考え方はある。だが、こと『坂の上の雲』という作品に関しては、その考え方は通用しない。それは、この作品が描いている時代に関係がある。
以前『翔ぶが如く』について書いた時にも触れたが、司馬遼太郎の創作の原点には、太平洋戦争という忌まわしい体験がある。信長、竜馬、土方歳三。彼が主人公たちを皆、合理的精神の持ち主として描いているのは、思想の暴走が招いた太平洋戦争に対する反省があるからだ。
『坂の上の雲』の主人公である秋山兄弟は軍人だ。ただし、昭和の軍人のような「思想中毒」ではなく、合理的な思考を旨とする、理性的な技術屋としての軍人である。明治日本が欧米列強の脅威から身を守るためにやらなければならなかったのは、一にも二にも技術と知識の習得であり、とにかく日本人全体が猛烈な勢いで勉強した結果、大国ロシアに勝ち、世界の強国から“ナメられない”地位をどうにかこうにか手に入れるのである。だが、「大国ロシアに勝ってしまった」、このことが軍部の増長を生み、ひいては太平洋戦争まで続く、合理性を欠いた「思想中毒」の遠因ともなった。
『坂の上の雲』が難しいのはそこである。物語のクライマックスは日露戦争の勝利だが、後の歴史を見ればわかるように、それは決して手放しで喜ぶべきものではない。司馬遼太郎は明治時代を日本の「青春」と喩えたが、日露戦争はその「青春」の到達点であると同時に、近代日本が道を違えた第一歩として、ある反省とともに見つめなければならないのである。そのバランス感覚を間違えれば、戦争を礼賛する作品になってしまう。この『坂の上の雲』は、司馬遼太郎の目を、その感覚を通じてこそ初めて感動が味わえる作品なのだ。
先週の第2回までは、まだ物語は穏やか。秋山真之、秋山好古、正岡子規の3人が、近代国家としての胎動期を迎えた日本のなかで、自分の進むべき道を探している。いよいよ今週日曜の第3回から、物語は日清戦争に突入する。青春の日本が最初に迎える大きな試練だ。
僕は日本の近現代史が嫌いだ。なぜなら侵略の歴史だからだ。古代、中世、近世とワクワクしながら日本史を追ったところで、結末部分で気持ちはひっくり返る。日本という国が嫌いになってしまう。
だが、『坂の上の雲』という作品は、ほんの少しだけ、日本人であることを誇りに思わせてくれる。司馬遼太郎は「この作品の主人公は日本人全員というべきであり、3人の青年は当時の日本人の一典型にすぎない」と語っていたという。僕は、物語に登場する人間が皆一様に使命感と希望とプライドを持って生きている姿に、涙してしまうのである。
NHK公式ホームページ
映画 『THIS IS IT』
ただのリハーサルであっても
やはり彼は「大スター」だった
やはり彼は「大スター」だった
公演が終わり、ようやく観ることができた『THIS IS IT』。公開最終日にギリギリ行くことができた。平日にもかかわらず、夕方以降の回は全て売り切れ。昼間の回の隅っこの席をなんとか手に入れることができたのだが、この回もほぼ満席。なんでも、日本における本作の興行収入はアメリカに次いで世界第2位なのだそうである。地球規模の大スターであるマイケルだが、とりわけ日本人は彼のことが大好きなのだ。
映画館の客席はまさにそのことを証明していた。おばさんグループに若いカップル、小さい子連れの主婦（この子は＜スリラー＞の映像を見て大泣き）と、客層は文字通り老若男女。満席にもかかわらず上映前は奇妙に静かで、それが逆に観客のこの映画に対するモチベーションの高さ、マイケルに対する思い入れの深さを感じさせた。
この『THIS IS IT』は、マイケルが生前取り組んでいた同名タイトルのコンサートのリハーサル映像を編集したもの。元々は公開する目的はなく、単なる記録用に回していたカメラの映像がその素材となった。内輪向けの映像だけに、作られていない等身大のマイケルを見ることができ、時折スタッフや出演者と交わす会話などには、これまでに感じたことのないような身近さを覚える。
だが、映画の中心はあくまでマイケルのパフォーマンスだ。本番さながらにステージ上で歌って踊るマイケルの映像が、コンサートのセットリスト順に1曲ごとに編集され、本番で使用される予定だった特殊映像の断片なども挟みながら、僕ら観客は開催されるはずだった“幻のコンサート”を想像していく。この映画は、作業風景や舞台裏を見せるメイキング映像ではなく、ましてや思い出を振り返るような湿っぽい追悼映像集でもなく、堂々たる1本の“ライヴ・ムービー”なのである。
それにしてもマイケルのコンサートってすごい。聴覚だけでなく、さまざまな特殊効果を用いて視覚に訴えかける演出や、「I Love You」「Heal The World」という強いメッセージ。そして何よりもあのダンス。1992年の「デンジャラス・ツアー」を収録したDVD『ライヴ・イン・ブカレスト』を観ていたら、ラストにはでっかい地球が舞台上に現れ、それをマイケルと世界中の民族衣装を着た子供たちがグルッと囲み、そしてラストにはマイケルがロケットを背負って空に飛んでいってしまった。まるで一人でディズニー・ランドをやっているかのような、ものすごいエンターテイメント性の高さである。
そのようなハイテンションのステージを作るのは、やはり並大抵のことではない。『THIS IS IT』を観ていて興味深かったのは、自らが細かくスタッフに指示を与え、気に入るまで何度でもやり直すマイケルの姿である。この映画を観るまでは、マイケル自身があれほどまでに主体的にディレクションをしているとは思わなかった。TV画面では見ることのできない、ゴシップやスキャンダルとも切り離された、一人のアーティストとしてストイックに作品作りに臨むマイケル・ジャクソンの姿は新鮮だった。
映画のハイライトは何といってもラスト手前の＜ビリー・ジーン＞。マイケルが一人、スポットライトを浴びながらあのダンスを踊る。リハなのでダンス自体はかなりラフなのだが、「貫禄」というか「オーラ」というか、言葉では説明できない、世界でただ一人彼しか持ち得ない圧倒的な空気があり、観客全員がゴクリと唾を飲み込んだように思えた。
今月19（土）から再公開が始まる。もう一度観に行ってしまうかも・・・。
『THIS IS IT』予告編
ドラマ 『リミット 刑事の現場２』
「優しさによる救済か
憎しみによる厳罰か」
憎しみによる厳罰か」
現在土曜21時にNHKで放映されているドラマ『リミット 刑事の現場２』が面白い。
タイトルに刑事と名がついているが、犯人探しやトリック暴きを主とするいわゆる刑事ドラマとは趣を異にする。罪を犯した人間と、それを追跡する人間、そして被害者と遺族のその後の人生を描くことに重きを置いた作品だ。
人間の良心の存在を信じ、被害者加害者双方に対して救いの道を探そうとする若い刑事（森山未來）と、有能だが暴力的で「刑事とは人を憎む仕事」と言って憚らない老刑事（武田鉄矢）。この2人の主人公の衝突が、「人は人を罰せられるのか」「憎しみは消えるのか」といった根本的かつヘヴィな命題を浮き彫りにする。この世界には、完璧な絶望もない代わりに単純な希望もない。全ては混沌としていて、僕らはその中で悩み続け、何かを選び取っていくしかないのだという厳然たる事実を、このドラマはナイフのような鋭さでもって観ている者に突きつける。
NHKの土曜21時というのはいつも重厚なドラマを放送する枠で（以前紹介した『ハゲタカ』も確かこの枠だった）、僕はこの枠自体のファンなのだが、多少引いた目で見れば、こんなヘヴィな作品を放送するには確かにこの時間帯以外にないように思える。平日夜に『ハゲタカ』やこの『リミット』のような、体力を要する作品を観てしまったら、翌日仕事に行く気力がなくなるもの。ただ、間違いなく意欲作であり秀作揃いの枠である。
『リミット』は全5回放送で、先週第2回が終わったところ。これまでに観たところだと、老刑事梅木を演じる武田鉄矢がとにかく良い。人間そのものへの不信と憎悪。まるで悪鬼か修羅のような、超然とした存在感を感じさせる。連続通り魔事件の犯人に対し、「お前みたいな奴は死んでしまえ！」と言い放つシーンなどは胸が締め付けられ、涙が出そうになった。演技というものはここまで行けるものなのか。
第2回では、梅木には過去に婚約者がいて、その婚約者が殺されてしまったという事実が判明。彼は犯人への憎しみを決して絶やすことなく心のうちに育て続け、その憎悪によって自らを刑事という職業に駆り立ててきたのだった。
そして、かつて婚約者を殺した犯人が仮釈放されることが決定する。それを聞いた梅木は言う。「絶対にあいつを殺す」。
まだドラマは折り返し地点にも至っていない。それなのに、すでに物語は身を裂かれるような悲しみと憎しみでいっぱいである。果たしてこの先、どのような物語が紡がれるのだろうか。暗い海の底を知っている者の方が、太陽の明るさと温もりをより深く味わえるように、このヘヴィなドラマがたとえ一瞬でも、豊かな光明を登場人物たちに照らすことを期待して、今週も僕は第3回を観るのである。
公式サイト。第3回を観る前にあらすじなどをここでチェック
映画 『ヱヴァンゲリヲン新劇場版：破』
少年から大人へ
憎しみから愛へ
憎しみから愛へ
「自分は誰からも必要とされてない人間だ」。僕が初めてそう思ったのは中学2年生のときだった。14歳だった。
足は遅いし球技は何をやってもヘタクソだし、運動はてんでダメ。友達を笑わせられる話一つできない。おまけにルックスも、クリクリでゴワゴワの髪の毛に牛乳瓶の底のような眼鏡という、今で言う“イケてない”の極致。ただ一つ、成績だけは飛び抜けて良かったのだが、14歳の社会のなかで“勉強ができる”ということは、妬みの対象にこそなれ、認められ、一目置かれることではなかった。だから「自分はこの世に必要ない存在だ」という結論は、僕にとって実にナチュラルな実感だった。そして僕は生まれて初めて「死んでもいいや」と考えたのだ。
その年の冬、僕はギターを始めた。何がきっかけで始めたのか、よく覚えていない。しかしギターは、ギターだけは、他人から褒められ、認められるものだった。だから僕は必死に練習した。「ギターが上手ければ、僕は誰かに必要とされる」「ギターが弾ける僕は生きていてもいいんだ」。そう考えていたのだ。だが、翌年の春にギターがとてつもなく上手い転校生がやってきて、僕のアイデンティティは脆くも崩れ去ってしまった。
『新世紀エヴァンゲリオン』は、誰かに必要とされ、愛されることを願う14歳の少年たちが、巨大ロボットに乗り込み「使徒」と呼ばれる謎の生物と戦うことで、自分の価値を探す物語だ。ストーリーのあちこちにばら撒かれたミステリアスな謎や、ディティールの細かいクールなメカ描写にも夢中になったが、それ以上に僕は物語の主人公たちに自分自身を投影した。特にエヴァに乗ることに意地とプライドの全てを賭けているアスカというキャラクターには、ギターに存在価値を預けていた自分と重なり、観ていて胸が苦しかった。『エヴァ』は紛れもなく“僕の物語”だった。
本放送、そして当時の完結編にあたる映画『Aiｒ／まごころを、君に』からおよそ10年。エヴァンゲリオンが“ヱヴァンゲリヲン”と名を改めて再び制作されるという話を聞いたときには、「なぜ今更？」と思った。ブームを支えたかつての中高生たち（つまり僕たち）を当て込んだ、多分に商業的な匂いのする試みにしか見えなかった。何より、思春期が終わると同時にエヴァを“卒業”した身としては、徒に当時の記憶を掘り起こされたくはなかった。
だがそれは杞憂に過ぎなかった。結論から言うと、素晴らしい。「素晴らしい」という言葉などでは足りないほど、本当に素晴らしい。かつて10年前の旧エヴァンゲリオンは、全てこの新ヱヴァンゲリヲンのためにあったのではないか。
『ヱヴァンゲリヲン新劇場版』は単なるリメイクではない。2年前に『序』を観た段階で、すでにその思いは強くあったのだが、今回の『破』を観て、それは確信に変わった。
では「単なるリメイク」と一体何が異なるのか。マリやヱヴァ6号機といった新たなキャラ、新たな設定の登場か。「人類補完計画」の全貌が今度こそ明らかにされるという期待か。はたまた、美しく生まれ変わった映像か。いや、そうではない。そんな些末なことはどうでもいいのだ。新ヱヴァが紡ごうとしているもの、それは旧エヴァの時には希薄だった“生への意志”である。
例えばそれは、復元されたセカンドインパクト前の海の匂いを嗅いでシンジが言う「本当の海って生臭いんですね」という言葉に対し、加持が言う台詞。例えばそれは、「他人と話すのもそんなに悪くないって思った」というアスカの言葉に対し、ミサトが言う台詞。本編では実にサラッと挿入されるこれらの台詞には、かつてのエヴァにはなかった、世界を肯定しようとする前向きな思いが宿っている。
旧エヴァが14歳の少年たちの視点に座し、他人の存在を、世界を受け入れようともがき苦しんだ結果、ヒリヒリとした痛みと絶望に満ち満ちていたのに対し、新ヱヴァには「確かに世界は汚濁と混沌だらけだけど、それでもきっとどこかに愛はあるよ。世界は生きるに値する場所だよ」という力強いメッセージがこめられている。まるで大人になった今の自分が、「死んでもいいや」とばかり考えていた、少年（チルドレン）だったかつての自分に向けて、救いの手を差し伸べているかのように、僕には思える。
少年から大人へ。憎しみから愛へ。10年の重みがここにある。この変化は総監督庵野秀明の変化であり、そしてまた僕ら自身の変化でもある。楽観的になったわけではない。絶望を叫ぶよりも希望を語る方がはるかに痛みを伴うものだ。僕らはただ、10年間を経て、その痛みに耐えようとする覚悟が強くなっただけだ。しかし、だからこそ今、本気で誰かを愛し、他人を受け入れみんなで生きていくことの大切さを共有したいと願っている。
『破』では、シンジはレイのために、レイはシンジのために、そしてアスカはシンジとレイのために行動する。彼らがはっきりと他人のために行動を起こすのは、旧エヴァでは見られなかったことだ。10年前も今も、3人は変わらずに14歳だ。だが、彼らは「変化」している。この変化はつまり、庵野秀明、そして僕らの10年を反映したものなのだ。
僕は一昨日映画を観たのだが、まだ熱にうなされているような状態が続いている。ちょっとでも思い出せば涙が溢れてきてしまう。気持ちは醒めるどころか、ますます加速して渦を巻いている感じだ。実はあまりに興奮してしまい、昨日も劇団のメンバーと観に行ってしまった（ちなみに全員ともすでに2回目）。
客層はやはり同世代の20〜30代くらいが多いように見えた。おそらく全員が、10年前からのファンなのだろう。そしてみんなきっと、シンジやレイやアスカの変化を感じ、そしてその変化を感じ取れるようになった自分自身の変化に気付き、あれから過ごしてきた時間について思いを馳せているんじゃないだろうか。
『エヴァンゲリオン（ヱヴァンゲリヲン）』とは、僕らの世代にとっての貴重なアンセムだ。10代半ばに、そして20代の終わりに再びエヴァに出会えたことはなんと幸せなことだろう。
テレビ本放送がスタートした1995年という20世紀末からこの21世紀初頭へ、10年間で現実はどんどん行き詰まりを見せている。だからこそ、ささやかな愛と優しさに満ちた作品として生まれ変わったヱヴァンゲリヲンには、勇気をもらうことができる。
素晴らしい。何度言っても足りない。身体が震えるほど素晴らしい。
『ヱヴァンゲリヲン新劇場版：破』予告編
映画 『ハゲタカ』
アンチ・ヒーローの仮面をかぶった
真のヒーローの誕生
真のヒーローの誕生
2007年2月にNHKで放映され、国内外で高い評価を獲得したドラマ『ハゲタカ』。その続編にあたる劇場版が現在公開中である。
ドラマ版も劇場版も本当に素晴らしい作品。役者、脚本、音楽、とにかく何もかも全てが良い。おすすめです。
この作品、タイトルだけ見るとハードなアクションもののようにも思えるが、全く違う。タイトルの由来は、ちょっと前に流行った「ハゲタカファンド」「ハゲタカ外資」の、あの“ハゲタカ”である。
ハゲタカファンドとは、業績が落ち込んだ企業に目をつけ、株式を大量に取得するなどの方法で経営権を奪取し事業を再興させ、企業価値が再び上がったタイミングを見計らって保有している株、あるいは企業そのものを売却し利益を得る、いわゆるバイアウト・ファンドのこと。だが、一部の企業経営者やマスコミには、彼らの行為がまるで相手の弱みにつけこんで食い物にしているように映ったことから、死肉をついばむハゲタカにイメージを重ね合わせ、誰からともなく「ハゲタカファンド」と呼ぶようになったのである。特にそのファンドが外資である場合、日本人の保守的性格を刺激し、ネガティブなイメージをさらに煽ることになった。
物語の主人公は、投資ファンドのファンド・マネージャー、鷲津政彦。あらゆる手法と大胆不敵な行動力で次々と企業買収を成功させる彼を、人は「ハゲタカ」と呼んで畏れる。鷲津と買収を仕掛けられた企業側との攻防が物語の軸だ。
劇中では“TOB”や“ホワイト・ナイト”といったM&Aにまつわる専門用語が頻繁に出てくる。企業名などは当然架空のものだが、明らかに「あの会社のことだな」とわかるような設定ばかり。非常にコンテンポラリーなテーマを持つ作品だ。
だからと言って、決してお堅い作品という訳ではない。確かにニュースがわかる程度の知識を持っていなければ理解しにくい部分はある。だが『ハゲタカ』は紛れもなくエンターテイメントだ。なぜなら、この作品が描こうとしているのは経済でも金融でもなく、人間だからである。
鷲津政彦はなぜ「ハゲタカ」になったのか。この作品は、なにより鷲津という一人の人間を掘り下げている。鷲津だけではない。とにかくキャラクター一人ひとりをとことん濃密に描いている。
この深い人間描写を可能にしているものは、“お金”の存在だ。ただの紙切れが、なぜ時に人を不幸にし、時に人を殺してしまうのか。お金という何の情緒もないものを媒介にすることで、愛や友情を正面切って描いた作品よりもむしろ深く、人間の生の姿が見えてくる。そして同時に、「お金では決して買えないもの」がぼんやりと浮かび上がってくるのだ。
企業買収をテーマに据えた社会性と時代性、しかし最終的には人間の持つ普遍性を深く追求する骨太で繊細な志、しかもそれらをあくまでサスペンス・ドラマにしてくるんでしまう構成力。どれをとっても『ハゲタカ』は真のエンターテイメントと呼ぶに相応しい作品である。
主人公鷲津は常に寡黙だ。そしてクールであり、感情を表に出すことがない。能面のままに何百億もの金を右へ左へと動かす彼の姿は、まさに「ハゲタカ」という呼び名そのものであり、金の亡者のように見える。だが本当は・・・なのである。全てがつながった瞬間に、このアンチ・ヒーローが、まったく新しいタイプのヒーローに見えてくる。
